Oliviero Toscani

Oliviero Toscani (n. 1942, Milán) es un fotógrafo italiano, reconocido principalmente por sus campañas publicitarias diseñadas para la marca de ropa Benetton, las cuales provocaron controversia en las décadas de 1980 y 1990.


Estudió fotografía en Zúrich, Suiza, entre 1961 y 1965. Entre 1982 y 2000, Toscani trabajó para Benetton, contribuyendo al crecimiento de la marca United Colors of Benetton hasta ser una de las marcas más reconocidas mundialmente.

Una de sus campañas más famosas incluía una fotografía de un enfermo de SIDA agonizando en una cama de hospital, rodeado de familiares dolientes. Otras, incluían alusiones al racismo, la guerra, la religión y la pena capital. En 1990, Toscani fundó la revista Colors (propiedad de Benetton), junto con el diseñador gráfico Tibor Kalman. Bajo el lema "una revista sobre el resto del mundo", Colors explotaba el multiculturalismo prevalente en la época, así como a las campañas publicitarias de Benetton. La línea editorial era independiente de la marca de ropa. En 1993, Toscani creó Fabrica, un centro de investigación sobre el arte en la comunicación; y encargó el diseño al arquitecto japonés Tadao Ando.

En 2005, Toscani levantó polémicas nuevamente, cuando hizo fotografías para la campaña publicitaria de la marca de ropa masculina "Ra-Re". Los retratos aludían al homosexualismo masculino, de un modo que enardeció a diversos grupos que debatían los derechos homosexuales.


Además de trabajar con Benetton, Toscani ha sido el diseñador de campañas publicitarias para Esprit, Valentino, Chanel y Fiorucci. Las campañas de Toscani han ganado cuatro veces el premio Lion d'Or en el Festival de Cannes. Personalmente, Toscani ha recibido, entre otros premios, el UNESCO Grand Prix, y dos veces el premio Grand Prix d'Affichage. Ha tenido exposiciones individuales, en orden cronológico, en las ciudades de Venecia, Sao Paulo, Milan, ciudad de México, Helsinki, Roma y otras catorce ciudades.

Lauren Greenfield

Es un artista americano / fotógrafo documental, documentalista y reportero gráfico. Ha publicado tres monografías de su trabajo fotográfico, dirigió dos (HBO) películas documentales, y ha aparecido en una variedad de revistas. Sus fotografías en general, ocuparse de las cuestiones relacionadas con la cultura juvenil, identidad de género, la imagen corporal, trastornos de la alimentación, y la influencia de la cultura popular sobre la forma en que vivimos. En mayo / junio de 2003 de American Photo Magazine, fue nombrado uno de los "Los 25 fotógrafos más importantes ahora". En abril de 2005, compartió el tercer lugar de las "100 personas más importantes en fotografía", de nuevo en American Photo Magazine.


En marzo de 2009, fue nombrada una de las ocho LA-basado maestros de la fotografía para el espectáculo inaugural en el nuevo Centro Annenberg para la fotografía, "L8S ANG3LES".

En junio de 2010, su trabajo será presentado en un show nuevo e importante en el Museo Getty de Los Angeles, denominado provisionalmente "Los observadores Engaged: Independiente Fotoperiodismo 1962-2007", junto con ocho fotógrafos de renombre de los últimos 45 años.


Greenfield se graduó de Harvard en 1987 con una licenciatura, con especialización en Estudios Visuales del medio ambiente. Su principal proyecto de tesis sobre la aristocracia francesa se llamó "Los sobrevivientes de la Revolución Francesa". Esta labor ayudó a dar impulso a su carrera como pasante para National Geographic Magazine. Una donación posterior de la National Geographic le ayudaron en su monografía de debut, "Fast Forward: Growing Up in the Shadow of Hollywood" (Knopf, 1997)


. Cinco años después del lanzamiento de "Fast Forward", Greenfield produjo una segunda gira-de-fuerza del proyecto sobre la auto-estima de la crisis entre las mujeres de América, titulado "Girl Culture", que ha sido reeditada en cinco ocasiones. Junto a sus libros, "Fast Forward", "Girl Culture", y "Thin", Greenfield produjo tres a gran escala de exposiciones itinerantes con el mismo nombre, que han sido vistas por más de un millón de espectadores en museos de todo el mundo.


Su trabajo, incluidos los cuerpos enteros de trabajo como "Girl Culture" y "Fast Forward", se encuentra en muchas colecciones importantes, como el Art Institute de Chicago, Los Angeles County Museum of Art (LACMA), el Museo Getty Center, de San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), el Centro Internacional de Fotografía, el Center for Creative Photography, el Museo de Bellas Artes (Houston), el Archivo de la Universidad de Harvard, el Museo de Arte del Smith College, la Biblioteca de Clinton, y el Ministerio francés de Cultura. Está representada por el / Pace MacGill Gallery, Nueva York y el / Fahey Klein Gallery en Los Angeles.
Desde que empezó su carrera en 1991, sus fotografías se han publicado regularmente en revistas como The New York Times Magazine, Time, Vanity Fair, People, National Geographic, Stern, The New Yorker, ELLE, Harper's, Harper's Bazaar, Marie Claire, The Guardian , y The Sunday Times Magazine. Ha recibido numerosos premios de fotografía y becas, incluyendo la donación de National Geographic, el ICP Infinity Award for Young Photographer (1996), una beca de la Fundación Hasselblad, la sensibilización de la comunidad NPPA Award, y el People's Choice Award en la Bienal de Moscú. PELICULAS La Sra. Greenfield también ha dirigido un largometraje documental de HBO titulado Thin (película), y ha publicado un libro que acompaña con el mismo título. Esta película documental fue seleccionado para la competición en el Festival de Cine de Sundance en 2006.


En septiembre de 2006, Greenfield recibió el prestigioso premio John Grierson para el director del mejor largometraje documental en el Festival de Cine de Londres de 2006. Esta película también se llevó el Premio del Jurado en el Festival de Cine Independiente de Boston, el Festival Internacional de Cine de Newport, y el Jackson Hole Film Festival. Ella también recibió una nominación al Emmy 2007 al Mejor Director de la no programación de ficción de la película, Thin (película). Greenfield de seguimiento de corto, "niños + dinero" , fue seleccionado como uno de los cinco cortos de ficción en el mundo por Cine Ojo Honores 2009.


El corto también obtuvo el Premio del Público al Mejor Cortometraje en el Festival de Cine AFI 2007, el Premio de Michael Moore al Mejor Documental en el 2008 Festival de Cine de Ann Arbor, la Placa de Oro, Documental: político-social de los premios de televisión, Hugo 2008, y Mejor Corto Documental en Kids First Film Festival 2008. "Kids + dinero" también fue seleccionado en el Programa de Cortos Oficial en el Festival de Cine de Sundance (enero de 2008). 32 minutos La película incluye entrevistas con los adolescentes de Los Angeles en el tema del dinero y cómo afecta a sus vidas. HBO bajo licencia los derechos de transmisión de América del Norte a "niños + dinero", y la película se ha distribuido a las principales emisoras y redes de cable internacional.

La Sra. Greenfield es representada por el Chelsea Fotos, Stockland Martel, y el Instituto (Instituto de Gestión de Artistas). Fue miembro de la Agencia VII Photo 2002 a 2009. Está casada con Frank Evers (NYPH) (Fundador y Director General, Instituto y la Co-Chair/Co-Founder de la Nueva York Photo Festival), con quien tiene dos hijos, y residen en Venice, California.

Manuel Álvarez Bravo

Manuel Álvarez Bravo fotógrafo de la identidad mexicana del siglo XX, artista plástico y visual que durante más de cien años de vida, contribuyó a la definición de nuestro pueblo a través de sus imágenes que nos descubren y nos determinan; nos retratan y nos muestran, desde una legendaria lente y a través de plata sobre gelatina.

Nació el 4 de febrero de 1902 en la ciudad de México, su padre fue un profesor, que de vez en cuando se dedicaba a la fotografía y a la pintura. Álvarez Bravo, antes de dedicarse a la profesión que lo proyectaría a todo el orbe, fue burócrata en varias dependencias, intentó estudiar contaduría, pero en 1915 inició su camino hacia en el quehacer artístico y se inscribió en la Academia de San Carlos para estudiar arte y música.

A pesar de estos estudios, Álvarez Bravo siempre ha sido considerado como autodidacta. Su primera influencia importante en el universo de las imágenes la tuvo en 1923 al conocer al fotógrafo alemán Hugo Brehme, quien lo incitó a comprar su primera cámara. Para 1925 obtuvo su primer premio en un concurso local en Oaxaca. Iniciaba pues, la historia de uno de los grandes fotógrafos de México y del mundo. En el mismo año, contrajo matrimonio con Lola Martínez de Anda, quien años más tarde, asumió la misma profesión.

Por aquellos tiempos conoció a Tina Modotti, Diego Rivera, Pablo O'Higgins, entre otros. Estas amistades lo estimularon ideológica y políticamente hacia el carisma social que distingue toda su obra: plasmar la cultura e identidad mexicanas, con una visión que va más allá de una simple documentación, adentrándose con gran imaginación en la vida urbana y la de los pueblos, los campos, la religión, el paisaje y las tradiciones.

En 1930, tras la salida del país de Tina Modotti, colaboró con Diego Rivera en la revista Mexican Folkways fotografiando el trabajo de los muralistas y al mismo tiempo expuso en el Museo de Arte de Berkeley, en California.

Ese mismo año, se dedica por completo a la profesión fotográfica y en 1932 realizó su primera muestra individual en la Galería Posada. En esa época compartió exposiciones con el famoso fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson en las salas del Palacio de Bellas Artes, fascinando a André Breton, quien descubrió en su trabajo un surrealismo innato, y en 1935 le organizó una exposición en París que sería trascendental en su trayectoria artística.

En 1936 expuso en la Galería Hipocampo del poeta mexicano Xavier Villaurrutia. Durante este periodo se adentró en la experiencia de nuevas soluciones que lo apartaron por completo del lenguaje visual desarrollado por los artistas de la lente que lo antecedieron, empleando elementos que dan mayor énfasis a la capacidad para evocar imágenes, a través de los sugestivos títulos de sus fotografías, basadas en la cultura y en la tradición mexicanas, que denotan una gran perspicacia y, en ocasiones, un fino sentido del humor.

La década de los cuarenta, marcó el inicio de Álvarez Bravo en el mundo cinematográfico. Trabajó al lado del cineasta ruso Sergei Eisenstein en ¡Viva México!, y participó en rodajes de personalidades como John Ford y Luis Buñuel. Asimismo, en 1944, fue realizador del largometraje Tehuantepec, así como de los cortometrajes Los tigres de Coyoacán, La vida cotidiana de los perros, ¿Cuánta será la oscuridad? (con el escritor José Revueltas) y El obrero (con también escritor Juan de la Cabada). Es en esta década cuando consolida su madurez artística (que aún perdura), mediante recursos tales como la yuxtaposición, el aislamiento de detalles y el ordenamiento con rigor geométrico. Ello dio como resultado el manejo simultáneo de lo familiar y lo inesperado, generando una ambigüedad que invita al espectador a ver con nuevos ojos las cosas cotidianas y a construir su propio significado.

Durante una larga trayectoria nacional e internacional, que culminó con su muerte física el 19 de octubre del 2002, Álvarez Bravo acumuló experiencias, premios, reconocimientos, exposiciones, incluso gran parte de su labor ha consistido en reunir y dar a conocer importantes colecciones fotográficas, así como la creación del Primer Museo de la Fotografía en México. Dentro de sus premios destacan los siguientes: Premio Nacional de las Artes (México, 1975), Condecoración oficial de la Ordre des Arts et Lettres Français, en 1981, Premio Víctor Hasselblad (Suecia, 1984) y el Master of Photography del ICP (Nueva York, E.U.A, 1987).

Las imágenes, matriz de la obra de Manuel Álvarez Bravo registran personas, lugares y objetos que reflejan nuestra historia; contando un secreto, que no sólo tiene que ver con nuestra tierra, paisajes y tradiciones, sino que nos tocan en lo personal. Son imágenes relacionadas con nuestras ilusiones, nuestros fracasos, nuestras esperanzas, y que nos transportan hasta los recuerdos de la infancia. Este es el elemento poético que lo distingue y que al mismo tiempo lo hace universal.

Eunice Miranda

Egresada de La Universidad Autónoma de México (UNAM), Fotografa y maestra de la Universidad Ibeoramericana.

Las imágenes nos han invadido y con ellas la imposibilidad de ver. Una ceguera generalizada e involuntaria es el resultado de la contaminación visual en la que vivimos.Ante ello, la fotografía ofrece dos opciones: seguir llenando nuestra memoria con imágenes vacías, o bien, servir como una herramienta visual creativa que nos permita acercarnos con una mirada atenta, limpia y seductora al mundo que hemos dejado de ver.Memoria cero plante la necesidad de cambiar la mirada, de intentar ver de nuevo.
Publicó su primer libro Memoria cero en conjunto con autoridades de la UNAM.
Pariticipó recientemente en Fotoseptiembre 2009.

Carlos Alberto licón Minjárez

Es Hijo de Lourdes Betina Minjárez, socióloga, y del escritor Carlos Alberto Licón González. Es padre de una niña de seis años, Libertad,
cuyo amor comparte con su esposa Elizabeth Cejudo.




“Mi acercamiento con la fotografía tiene que ver mucho con la necesidad de tomar decisiones, me permite entender qué es lo que pasa, tener una perspectiva clara para mirar a la vida con otros ojos”.
“El pretexto del visor de una cámara te da esa posibilidad de descontextualizar el resto que no aparece en la escena y te invita a pensar, a refle-xionar, creo que la fotografía para mi llega así, como una urgencia de ubicar un rumbo a dónde ir”, reflexionó.




Carlos es reportero gráfico y estudiante de la Licenciatura en Ciencias de la Comunicación ganó el primer lugar en Fotoseptiembre 2007 dentro del Concurso Estatal de Fotografía Creativa con la serie titulada “La vaca blanca”.


Licenciatura en Ciencias de la Comunicación por la Universidad de Sonora. Su experiencia en fotografía se remonta a 1998. Ha participado en una decena de exposiciones colectivas, entre ellas “Realidades Paralelas”, con Joel Verdugo, y sus trabajos forman parte de la exhibición nacional itinerante de fotografía contemporánea mexicana, organizada por la Revista Fahrenheit. Colaborador habitual en la organización de diversos cursos de fotografía con destacados instructores, como parte del proyecto Ventanas de Luz, dirigido por Joel Montoya.




Asimismo, su formación abarca distintos géneros de la comunicación, específicamente en el área del estudio de la imagen fotográfica. Reconocimientos: Premio Estatal de Periodismo 2003 en la Categoría de Fotografía y el Segundo Lugar en el Concurso Nacional de Fotografía Contemporánea de la Revista Fahrenheit.

Romualdo García

Romualdo García nació en Silao, Guanajuato en 1852. Desde muy temprana edad radica en la capital del estado, donde estudia pintura y música. Con el apoyo y la orientación de don Vicente Fernández, científico y profesor del Colegio del Estado y del prestigiado fotógrafo Vicente Contreras, aprende el oficio de la fotografía, actividad que hace suya de 1887 hasta 1914, año en que deja su estudio en manos de sus hijos Manuel y Salvador.

En 1878 abre su primer estudio, convirtiéndose en el fotógrafo preferido de la sociedad guanajuatense. Su prestigio aumentó después de que la exposición universal de París le concediera la medalla de bronce. Su estudio Romualdo García e Hijos se mantuvo activo hasta los últimos años del porfiriato.

En este lapso de 27 años, Romualdo adquiere un prestigio y reconocimiento local, nacional e internacional que sin lugar a dudas lo ubican como el fotógrafo guanajuatense por excelencia, de ahí que se haya decidido adoptar el nombre de "Romualdo García" para la Fototeca Guanajuatense del museo Alhóndiga de Granaditas.

IMAGENES PINHOLE

Estas imágenes son tomadas con cámaras estenopeica o sin lente que capta la luz natural. La fotografía estenopeica te permite realizar fotografías con la única ayuda de una caja hermética a la luz, con un diminuto agujero en un lado y cualquier tipo de material sensible a la luz en el otro. Puedes adaptar una cámara normal, o hacer tu mismo la cámara.